Indie Basement: Beste Songs und Alben vom August 2023

Indie Basement ist eine wöchentliche Kolumne auf BrooklynVegan, die sich auf klassische Indie- und Alternative-Künstler, „College Rock“ und neue und aktuelle Acts konzentriert, die einen ähnlichen Weg verfolgen. Es gibt Rezensionen zu neuen Alben, Neuauflagen, Boxsets, Büchern und manchmal auch zu Filmen und Fernsehsendungen. Ich habe die beste Musik für August zusammengestellt, meine Lieblingslieder und -alben hervorgehoben, außerdem Links zu relevanten Features und Neuigkeiten, eine monatliche Playlist und mehr.

Der August ist ein typisch langsamer Monat in der Unterhaltungs-/Medienbranche, wenn alle in den Urlaub fahren, Zeitschriften „Sonderdoppelausgaben“ herausbringen und Albumveröffentlichungen in Erwartung des großen Herbstansturms nach dem Labor Day langsam erscheinen. Pandemie-Versorgungsprobleme spielten dieses Jahr ein wenig mit, aber es war immer noch ein verschlafener August, zumindest für Indie Basement, aber es war keine Dürre und zumindest ein paar meiner bisherigen Lieblingsplatten des Jahres kamen diesen Monat heraus.

Es kommen immer viele tolle Songs heraus und ich habe meine 10 Favoriten ausgewählt, die ich hervorheben möchte. Zu den Zweitplatzierten im August gehören „Self Awareness Through Macrame“ von Sonny & The Sunsets, „Domino“ von Diners, „Happy Hour in Dub“ von Holly Cook, „The Weight of a Wave“ von Annie Heart und „The Death of Randy Fitzsimmons“, die sehr erfreuliche Rückkehr von The Hives . Schauen Sie sich unten alle meine Songs/Alben-Auswahl sowie eine dreistündige Playlist mit noch mehr der besten Sachen vom August an.

Ty Segall – „Void“

Wir scheinen mit dieser fast siebenminütigen Single, die Rhythmus und Groove mehr in den Vordergrund stellt als je zuvor, in eine neue Ära von Ty Segall einzutreten. Bass und Schlagzeug sind an der Spitze, während Gitarren überwiegend eine atmosphärische Rolle spielen – zumindest bis es richtig heiß hergeht und man sich auf traditionelleres Ty-Territorium begibt. Der Analog-Synthesizer-Experte von Bitchin Bajas, Cooper Crain, hat das produziert und er und Ty ließen es gut und proggy werden. Ty scheint auch in eine neue persönliche Ära einzutreten, wenn das „Void“-Video, bei dem Ty und seine Frau Denee Regie führten, ein Hinweis darauf ist … sie scheinen damit zu rechnen!

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A. Savage – „Elvis in the Army“

Soloalben von Mitgliedern immer noch aktiver, aber schon lange bestehender populärer Bands wie Parquet Courts neigen dazu, entweder stilistische Höhenflüge zu sein oder ihre Flügel auf die Probe zu stellen, um vielleicht das Nest zu verlassen. Ich bin mir nicht sicher, wie sein zweites Soloalbum „Multiple Songs About Fire“ (ein echter Talking-Heads-Titel!) aussehen wird, aber es sieht nicht so aus, als würde er sein A-Material zurückhalten, wenn „Elvis in the Army“ ein Hinweis darauf ist . Und wenn er die guten Sachen von Parquet Courts zurückhält, wird die neue Platte etwas anderes sein.

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Unschärfe – „Stöcke und Steine“

Wie viele Songs hat Blur aufgenommen, als er die diesjährige hervorragende Überraschungs-LP The Ballad of Darren produzierte?!? Nur eine Woche nach der Veröffentlichung teilten sie zwei weitere (exzellente) Outtakes und hier ist ein weiteres aus der japanischen Ausgabe des Albums. Graham Coxon-Fans, „Sticks and Stones“ ist genau das Richtige für Sie, denn der Gitarrist übernimmt den Lead-Gesang auf diesem hektisch-ruckelnden Midtempo-Groove, der mehr als nur ein wenig von seinem charakteristischen skronky Laubsägewerk enthält.

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Connie Lovatt – „Gull“

Connie Lovatt, die eine Hälfte des 90er-Jahre-Duos Containe war und auch bei Smog und The Pacific Ocean spielte, zog sich Mitte der 00er-Jahre so gut wie aus der Musik zurück, daher ist das Erscheinen eines neuen Albums eine wunderbare Überraschung, ebenso wie der Grund seiner Existenz . Sie wollte eine Platte für ihre Tochter machen, kein Kinderalbum, sondern eine, die Geschichten aus ihrem Leben erzählte, an der auch ihre vielen Freunde und Mitarbeiter teilnahmen. (Dazu gehören Bill Callahan, Schlagzeuger Jim White, Rebecca Cole und mehr). „Gull“ ist eine schöne, bittersüße Ode an ihren Vater und eine willkommene Rückkehr.

Kokosnussspiegel von Connie Lovatt –

Das Koolies – „Nicht von dieser Welt“

Werden wir jemals ein weiteres Super Furry Animals-Album bekommen? Gruff Rhys scheint damit zufrieden zu sein, (sehr gute) Soloaufnahmen zu machen, aber ich vermisse, was der Rest der Band in die Gleichung eingebracht hat. Zum Glück machen die anderen alle zusammen Musik als Das Koolies und scheinen es zu tun, weil es Spaß macht, was der beste Grund ist. In „Out of This World“ steckt auch etwas von diesem fröhlichen, chaotischen SFA-Unfug, ganz zu schweigen von der Liebe zu Techno und Acid House, die Platten wie „Rings Around the World“ und „Phantom Power“ infiziert hat.

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Englischlehrer – „Die größte Pflasterplatte der Welt“

Die Kombination aus dem Namen dieser Londoner Band und dem Titel dieser Single klingt fast wie eine Parodie auf das Post-Punk-Revival Mitte der 2000er Jahre, die sich Chris Morris oder Charlie Brooker für eine höchst sarkastische TV-Show ausgedacht haben – oder eine Band, die mitmachen könnte Tour gerade mit Yard Act oder IDLES. Auch wenn „The World's Biggest Paving Slab“ eher eckig ist, ist es doch nicht schreiend; Die Stimme der Sängerin Lily Fontaine ist sanft und luxuriös und bildet einen schönen Kontrast zum Gitarrenlärm der Band. Aber lassen Sie sich nicht von ihren sonoren Pfeifen täuschen, sie meint es ernst: „Ich bin die größte Pflastersteinplatte der Welt / Also pass auf deine verdammten Füße auf.“

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Helena Deland – „Hellgrünes, lebendiges Grau“

Für ihr zweites Album hat sich die Singer-Songwriterin Helena Deland aus Montreal mit Sam Evian zusammengetan, der ihr dabei geholfen hat, weniger synthische und eher organische Richtungen einzuschlagen. „Bright Green Vibrant Grey“ ist ein passender Titel für dieses Lied, das wie ein regnerischer Tag im April klingt; Zart gezupfte Akustikgitarrenschläge wie Regentropfen in einer Pfütze, während die Flöten und Harmonien bei den ersten Anzeichen des Frühlingswachstums aufblühen.

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Der Geheimdienst – „Jetzt, Squirm!“

Seit dem letzten Album von The Intelligence ist erst ein Jahr vergangen, aber irgendwie kommt es mir wie eine Ewigkeit vor, daher war ich froh, dies in mein Blickfeld rücken zu sehen. Wie für seinen Freund und ehemaligen Bandkollegen/Produzenten Ty Segall ist dies für Lars Finberg neues, größtenteils gitarrenloses Terrain; Mit E-Piano und Keyboards an ihrer Stelle hat er die Garage in eine Cocktail-Lounge umgestaltet, aber das bekannte Intelligenz-Unwohlsein ist immer noch da: „Nur knapp vor Psychose-Synchronizitätsstapeln / ‚Rund um die Politik des Weltraums stimme ich, wir schweben von der Landkarte.“ Niemand macht es so wie Lars.

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Joseph Shabason – „Jamie Thomas“

Das ist pervers: Der Saxophonist, Komponist und gelegentliche Destroyer-Hornbläser Joseph Shabason hat den Toy Machine-Skate-VHS-Klassiker „Welcome To Hell“ von 1996 neu vertont und die Songs von Lard, Sabbath, Sonic Youth, Maiden und, äh, The Sundays durch groovigen, sanften Jazz ersetzt . Aber wissen Sie was, es funktioniert.

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Mantra des Kosmos – „X (Wot You Sayin?)“

„Es ist nie zu spät, von den Toten zurückzukommen“, singt Shaun Ryder auf dieser zweiten Single von Mantra of the Cosmos, seiner abgefahrenen neuen Gruppe mit Andy Bell von Ride, Schlagzeuger Zak Starkey und seinem Happy Mondays/Black Grape-Verschwörer Bez . Und wenn es jemand wissen sollte, dann ist es Ryder, der in seinem letzten Leben eine Katze gewesen sein muss. Sein Umgang mit Worten ist bei „X (What You Sayin?)“ immer noch in fein verdrehter (Melonen-)Form, bei der es darum geht, niemals aus seinen Fehlern zu lernen.

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Wet Man – „Schwimmen mit Haien“

Ich weiß fast nichts über Wet Man, der kürzlich seine erste Single veröffentlicht hat. Produziert wurde es von Dean Horner und Adrian Flanagan von Moonlandingz und International Teachers of Pop und sie verleihen ihm eine dreckige Electro-Atmosphäre, wie ein Giorgio-Moroder-Kater in der Gosse. Aber Wet Man (richtiger Name Jack Clayton) hat eine geschwätzige Angeberei, die ihn in Jarvis Cocker-Territorium einordnet – sie kommen beide aus Sheffield – und wenn Ihnen „Relaxed Muscle“ gefallen hat (oder Sie sich daran erinnern), wird Ihnen das gefallen.

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ALBUM DES MONATS: Girl Ray – Prestige(Moshi Moshi)

Es war ein Vergnügen, die Entwicklung des Londoner Trios Girl Ray in den letzten sieben Jahren zu verfolgen. Poppy Hankin, Iris McConnell und Sophie Moss begannen als Teenager und machten ursprünglich folkigen, erdigen, klirrenden Indiepop, doch mit ihrem zweiten Album Girl aus dem Jahr 2019 wandte sie sich dem synthischen R&B-Pop im Nu-Stil zu, was eine Überraschung war, sich aber auch als gut herausstellte Hankins Songwriting und Stimme. Ihre von Hot Chip produzierte Single „Give Me Your Love“ aus dem Jahr 2021 wies den Weg zu ihrem nächsten Drehpunkt, der irgendwo zwischen den Klängen ihrer ersten beiden Alben liegt, auf der Tanzfläche bleibt, sich aber mehr dem klassischen britischen Indie zuwendet. „Prestige“ ist ein Album mit fast allen Hits, was sowohl dem aktuellen Disco-Revival als auch den New Wavern der frühen 80er Jahre zu verdanken ist, die den Disco-Stil für sich entdeckten. Es ist mehr Haircut 100 als die aktuellen Billboard Hot 100, ein Album voller luftiger, lustiger, tanzbarer Ohrwürmer, das sich wie ein Greatest Hits-Album spielt, oder zumindest eine dieser Platten, bei denen die meisten Songs als Singles veröffentlicht wurden. Mädchen Ray ist angekommen. [Lesen Sie die vollständige Rezension]

Prestige von Girl Ray

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Aktivität – Geist im Raum(Western-Vinyl)

Zwei Wochen nach Beginn des Corona-Lockdowns im März 2020 veröffentlichten Activity ihr Debütalbum mit dem seltsam vorausschauenden Titel „Unmask Whoever“. Auch die Musik passte zur Zeit: geheimnisvoll, fremdartig, sehnig, vorsichtige Paranoia. Aka eine gute Zeit! Trotz des alles andere als idealen Zeitpunkts, als das erste Album erschien, überlebte Activity, veränderte sich (neuer Bassist Bri DiGioa) und wurde tatsächlich besser. „Spirit in the Room“, entstanden während der Isolation auf dem Höhepunkt der Pandemie – „um nicht den Verstand zu verlieren“, sagt Frontmann Travis Johnson – nimmt die besten Teile ihres Debüts, verdichtet es wie einen weißen Zwergstern und erweitert es dann. Das Ergebnis liegt irgendwo zwischen Peak 4AD und den frühen Tagen des Bristol Trip Hop – Tricky produziert von This Mortal Coil? – aber abzüglich aller offensichtlichen Zeichen, die dies in das Gebiet von Remember The 90s führen könnten. „Spirit in the Room“ ist weder Albtraumtreibstoff noch Mist, sondern ein perfekt umgesetztes Stimmungsstück, auf eine gute Art gruselig, voller Atmosphäre und Melodie. [Lesen Sie die vollständige Rezension]

Geist im Raum durch Aktivität

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Panda Bear, Sonic Boom & Adrian Sherwood – Reset in Dub(Domino)

Das großartige Gemeinschaftsalbum von Panda Bear & Sonic Boom aus dem Jahr 2022, „Reset“, war bereits ziemlich trippig, aber jetzt ist es als „Reset In Dub“ noch mehr trippig. Dafür engagierten sie den legendären Produzenten Adrian Sherwood, der mit allen zusammengearbeitet hat, von The Slits und The Pop Group bis hin zu Lee „Scratch“ Perry und Mikey Dread, und kürzlich an der Dub-Version von Spoons „Lucifer on the Sofa“ gearbeitet hat. Sherwood behielt den Gesang und die Harmonien – den melodischen Kern des Albums – bei, baute die Songs dann aber von Grund auf auf und engagierte dafür seine regelmäßigen ON-U Sound-Mitarbeiter. Die Reset-Originale basierten alle auf Samples von Intros zu Rock'n'Roll-Singles der 50er und 60er Jahre, und jetzt entfernt Sherwood fast alles davon, wodurch ein weiteres Stringtheorie-Paralleluniversum-Album entsteht, das aus ähnlichen Blöcken stammt, bevor es die Dinge völlig anders behandelt Richtungen. [Lesen Sie die vollständige Rezension]

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Filmschule – Feld(Felder)

Greg Bertens leitet seit 2001 die Indie-Rock-Klassiker Film School in LA/SF und hat sich dabei nie dem voll verwirklichten Dreampop-Sound verschrieben – irgendwo zwischen doomigem britischen Alt-Rock der 80er und Shoegaze der 90er –, der in den letzten zwei Jahrzehnten immer wieder in Mode gekommen ist . „Field“ ist das siebte Album der Film School und ein weiterer großartiger Eintrag in ihrem bemerkenswert konsistenten Katalog. Wie schon bei „We Weren't Here“ aus dem Jahr 2021 zeichnet sich auch dieses Stück durch Noël Brydebell von Wild Signals aus, dessen federleichter Gesang perfekt zu Bertens' launischerem Gesangsstil passt. (Fans von „In Ribbons“ oder „Slowdive“ von Pale Saints haben eine ähnliche Stimmung.) Obwohl sie alle Klangbewegungen genau kennen und die richtigen Pedale besitzen, steht es immer im Dienste großartiger Songs. [Lesen Sie die vollständige Rezension]

Field von der Filmschule

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OSEES – Abgefangene Nachricht(Ins Rote)

Nach 26 Jahren, 26 Alben und zahlreichen Namensvarianten hat John Dwyer „endlich“ ein OSEES-Album mit einer Strophe-Refrain-Strophe-Songkonstruktion vorgelegt – „eine Popplatte für müde Zeiten“. Wie so viele in den letzten 50 Jahren hat Dwyer dies über Synthesizer getan. Elektronik war schon immer ein Teil des Arsenals seiner Band – von echten Keyboards bis hin zu den vielen Effektpedalen, die zum Verzerren anderer Instrumente und Stimmen verwendet werden – aber noch nie war sie ein so wichtiger Teil der Gleichung wie auf Intercepted Message, dem 27. Album der OSEES Album, das auch eines der unmittelbarsten, unterhaltsamsten und befriedigendsten in ihrer langen und schlängelnden Diskographie ist. [Lesen Sie die vollständige Rezension]

ABGEFANGENE NACHRICHT von OSEES

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Hier ist die Indie Basement: Best of August-Playlist sowohl in Spotify- als auch in TIDAL-Form:

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Während John Dwyer ein Jahrzehnt lang Variationen des Namens OCS/Oh Sees verwendete, war es 2008, als sich eine Besetzung – Bassist Petey Dammit, Schlagzeuger Mike Shoun und Keyboarderin/Sängerin Brigid Dawson – wirklich durchsetzte und die Livewire durchgebrannt war. Unser Garage-Psych-Sound nahm Gestalt an. Während „The Master's Bedroom Is Worth Worth Spending a Night In“ vielen Leuten den Einstieg in die Welt von Thee Oh Sees ermöglichte, war der Nachfolger das erste große Album der Gruppe. Eine absteigende Gitarrenlinie fällt wie ein Timer in die Explosion von „Enemy Destruct“, dem Eröffnungstrack von Help, und Sie sind sofort begeistert. Der Schwung geht weiter mit dem Plattenhit „Ruby Go Home“. Es sind jedoch nicht nur aufgedrehte Knaller, denn die Band macht Platz für Pop im britischen Invasionsstil wie „Flag in the Court“ und den süßen Abschluss „Peanut Butter Oven“. Es ist interessant, jetzt, nur ein Jahrzehnt später, eine Platte anzuhören, die damals ziemlich wild wirkte, jetzt aber im Vergleich zu den Sounds, die Dwyer derzeit macht, etwas urig wirkt.

OH SIEHE AUCH „: The Master's Bedroom Is Worth Spending a Night In“ ist auch ziemlich großartig, und der frühe, schweißtreibende Showspace-Ruf der Band wurde auf dem Live-Album „The Hounds of Foggy Notion“ festgehalten, das etwa zur gleichen Zeit wie „Sucks Blood“ aus dem Jahr 2007 aufgenommen wurde. Unmittelbar nach Help folgte Warm Slime, dessen Titelsong ein bewusst langer Jam im Geiste von Cans „Yoo Doo Right“ und Iron Butterflys „In-A-Gadda-Da-Vida“ ist.

Das erste von zwei Thee Oh Sees-Alben, die 2011 veröffentlicht wurden, markiert einen Wendepunkt für John Dwyer und die San Francisco DIY-Community, in der er aufblühte, denn es war „die letzte Platte, an der in der 608 Chaight Street in San Francisco gearbeitet wurde (sehr nah und teuer). in meinem Herzen und schwer in meinen Erinnerungen), bevor die Kontrolle von reichen Arschlöchern übernommen wurde. Hauptsächlich von Dwyer selbst gemacht, mit Beiträgen von Dawson (dem einzigen anderen Oh Sees-Mitglied, das darauf mitspielt), Ty Segall und Heidi Gardner von The Fresh & Onlys, taucht Castlemania in Kammerpsych- und Folk-Pop ein und ist damit eines der Highlights die melodischsten Alben im Oh Sees-Katalog. Wenn Zweifel an der Richtung des Albums bestehen, beendet er es mit Coverversionen von Liedern der West Coast Pop Art Experimental Band, The Creation und Norma Tenaga. Die verspielten Arrangements nutzen Dwyers Talent als Multiinstrumentalist (Flöte, Klarinette, Trompete und viel Mellotron-Keyboard) voll aus und erwecken „I Need Seed“, „Corrupted Coffin“ und „Blood On The Deck“ zu Technicolor-Leben Seine affektierte, etwas unheimliche Stimmführung sorgt dafür, dass die Sache drogensüchtig wird.

OH SIEHE AUCH: „Dog Poison“ aus dem Jahr 2009 ist Thee Oh Sees akustisch, aber nicht weniger wild.

2011 erweiterten Thee Oh Sees ihr Lineup auch um Lars Finberg von The Intelligence, der vor allem als zweiter Schlagzeuger, aber auch als Gitarrist engagiert wurde. Auf „Carrion Crawler/The Dream“ kann man spüren, wie viel Power Finberg der Band verleiht, einer Platte, die auch davon profitiert, dass die gut eingespielte, ständig auftretende Band live auf Band aufnimmt („1, 2, 3, Aufnahme drücken, los“, laut Petey Dammit). Dies ist das erste Album von Thee Oh Sees, das die Intensität einer ihrer Live-Shows auf Platte einfängt und sie mit einer Treue aufnimmt, die den meisten früheren Platten fehlt. Das Herzstück des Albums ist „The Dream“, ein siebenminütiger motorischer Groover, der absolut raucht und ihr meistgespielter Live-Song bleibt. Der Krautrock-Einfluss, der später im Jahrzehnt auf den Alben stärker vorherrschen sollte, zeigt sich auch zu Beginn des Albums in einem Titel, der das scharfe Original „Contraption“ mit einem Cover von Cans Debütsingle „Soul Desert“ verbindet. Was „Carrion Crawler“, die andere Hälfte des Albumtitels, betrifft, handelt es sich um einen Psych-Garage-Brenner, der seinen Namen von einem tausendfüßlerähnlichen Dungeons & Dragons-Monster hat. Dies wird nicht das letzte Mal sein, dass D&D im Katalog von Os Sees auftaucht.

OH SIEHE AUCH: Die von Finberg verstärkten Oh Sees tourten 2011 mit der australischen Band Total Control und veröffentlichten eine grandiose 12-Zoll-Splitversion, wobei jede Gruppe vier Songs beisteuerte.

Im Anschluss an die Live-Aufnahme von „Carrion Crawler/The Dream“ erkundete John Dwyer das Studio als Instrument und machte ein fast ausschließlich Ein-Mann-Band-Thee-Oh-Sees-Album mit dem regulären Toningenieur Chris Woodhouse als Hauptmitarbeiter/Mitwirkenden und ein wenig Gesangsunterstützung von Dawson und Heidi Alexander und Saxophon von Mikal Cronin. Es ist der gleiche Ansatz wie bei Castlemania, klingt aber eher im Big-Band-Stil mit dicken, bassigen Gitarren, die an Brian Enos „Here Come the Warm Jets“ erinnern, während auf der Platte auch andere Glamour-Elemente aus der Mitte der 70er auftauchen. Der Shuffle-Beat „Hang a Picture“ ist eine der fleischigsten und eingängigsten Singles von Oh Sees überhaupt, obwohl auch „Floods New Light“ mit Handklatschen im „bah bah bah“-Refrain und Killer-Saxofon von Cronin mithalten kann. Dwyer nennt Putrifiers II eine EP, aber mit 10 Songs und 37 Minuten ist es genauso ein Album wie alles andere in ihrer Diskographie. Was außer Frage steht, ist, dass es eine der besten Platten von Dwyer ist, wohl die beste. Putrifiers II war auch das letzte Oh Sees-Album, das vom LA-Label In the Red veröffentlicht wurde. Von nun an würde In Dwyer die Dinge intern über sein eigenes Label Castle Face erledigen.

OH SIEHE AUCH : Falls Sie sich fragen: Es gibt keine Putrifiers I, aber eine von Dwyers alten Gruppen, Yikes, hatte auf ihrem 2006er Album Secrets to Superflipping einen Song mit diesem Titel. Die australische Ausgabe von Putrifiers II enthielt eine Bonus-CD mit 10 Demos.

Während bei den meisten Oh Sees-Alben bis zu diesem Zeitpunkt John Dwyer mit bereits geschriebenen Songs dabei war, wurde Floating Coffin 2013 als Band gegründet und brauchte ein paar zusätzliche Tage im Studio, um spontan zu schreiben. Obwohl er seit 2011 nicht mehr mit ihnen auf Tour gehen konnte, gesellte sich Lars Finberg erneut als zweiter Schlagzeuger zu ihnen und, angetrieben von der dreiteiligen Rhythmusgruppe, ist dies eine der jammerhafteren Oh Sees-Platten bisher, mit viel Heavy Zone-Outs und unterbrochen von einigen besonders mitreißenden Soli neben Dwyers charakteristischen Schreien und Jubelschreien. (Siehe: „Toe Cutter/Thumb Buster“, „Maze Fancier“ und „Sweet Helicopter“.) „Floating Coffin“ markiert nicht nur das erste Album mit Castle Face als ständigem Zuhause, es ist auch der Abgesang auf Pete Dammit/Mike Shoun Besetzung der Gruppe. Bei einer Show zum Jahresende in der Great American Music Hall in SF kündigte Dwyer an, dass es „die letzte Oh Sees-Show für lange Zeit“ sein würde und dass die Band eine „unbestimmte Pause“ einlegen würde. Dwyer zogen nach LA und Dawson nach San Marin, während Dammit und Shoun in der Bay Area blieben. „Eine lange Zeit“ war jedoch ein relativer Begriff, da nur wenige Monate später ein neues Album und eine neue Besetzung der Band auf den Markt kamen nicht lange danach Shows spielen.

OH SIEHE AUCH: Die Moon Sick EP von 2014 enthält vier Songs aus den Floating Coffin-Sessions, die es nicht auf das Album geschafft haben.

Das Zwischenalbum. Nachdem die vorherige Besetzung verschwunden war, spielten Dwyer und Chris Woodhouse alles auf Drop, bis auf etwas Saxophon (wieder Mikal Cronin), und nahmen im The Dock in Sacramento, Kalifornien, auf, das – lustige Tatsache – früher ein Lagerhaus war, in dem Bananen reiften. Es klingt wie eine Platte zwischen den Welten, der Garage-Rock-Platte aus San Francisco und der proggigeren Richtung, in die Dwyer Thee Oh Sees nach seinem Umzug nach LA einschlagen würde. Things beginnt mit „Penetrating Eye“, einem ihrer bisher härtesten Riffs, und das ist es auch Es folgten zwei ihrer Besten: der verführerische Ein-Akkord-Jam „Encrypted Bounce“ und „Savage Victory“, der irgendwo zwischen Can und Paisley-Acid-Rock angesiedelt ist. Sie behalten die Krautrock-Grooves bei „Put Some Reverb On My Brother“ bei (Anklänge an „I'm So Green“), während der Titeltrack zeigt, dass nur wenige eingängige Garage-Rock-Ripper wie Dwyer sind. „Drop“ endet mit drei Songs, die Oh Sees in barocke/Prog-Territorien führen – „Transparent World“ und der Beatlesque-Album-Abschluss „The Lens“ sind besonders großartig –, mit denen sie sich vorher oder nachher noch nie wirklich beschäftigt haben. Zumindest noch.

OH SIEHE AUCH : Die Singles Collection 3 aus dem Jahr 2013 stellt lose Krimskrams zusammen; 2014 erschien auch Dwyers erstes Soloalbum als Damaged Bug.

Obwohl er sich vollständig in Lala Land eingelebt hatte, hatte Dwyer die neue Besetzung der Oh Sees noch nicht ganz herausgefunden, aber er war auf dem Weg dorthin und fügte den Bassisten Tim Hellman, der noch heute in der Gruppe ist, und den White-Fence-Schlagzeuger Nick Murray hinzu . Dieses Trio, das für Drop auf Tour war, leitete ein unverschämt hochtechnisches Oh Sees ein, das tiefer in Krautrock- und Prog-Galaxien vordrang. „Mutilator Defeated at Last“ ist nicht unähnlich zu „Floating Coffin“ und hat einen sehr knackigen Sound, ist aber schwerer und ausgefallener als alles, was Dwyer bisher gemacht hat. Das Album ist so rhythmisch, dass es klingt, als wüsste Dwyer, dass er wieder eine Besetzung mit zwei Schlagzeugern haben wollte, und als Murray nach der Aufnahme der Platte ausschied, traten Ryan Moutinho und Dan Rincon (der immer noch in der Band ist) an seine Stelle. Man kann es von Anfang an mit den vielleicht besten Doppelschlägen in der Oh Sees-Diskographie hören: dem klappernden „Web“ und dem absolut heißen „Withered Hand“. Auch Hellman macht einen großen Unterschied; Pete Dammit spielte Gitarre mit Pedalen, um einen Bass zu simulieren, aber Hellman verpasst ihnen einen großen, fetten Bass. Es ist schwer, sich einen Titel wie den näheren „Palace Doctor“ davor vorzustellen. Oh Sees klingen hier massiv, aber sie würden ihr Universum weiter erweitern.

OH SIEHE AUCH : Moutinho und Rincon gaben ihr Debüt auf „A Weird Exits“ und dem Begleitalbum „An Odd Entrances“, das nur wenige Monate nacheinander in der zweiten Hälfte des Jahres 2016 erschien. Beide sind gut, aber die Gruppe schien immer noch dabei zu sein, sich gegenseitig auszuprobieren . 2016 war ein besonders produktives Jahr für die Band, mit der hervorragenden Single „Fortress“ und der LP „Live in San Francisco“.

Nachdem John Dwyer 10 Jahre lang die gleiche Variante ihres Namens verwendet hatte, ließ er 2017 das „Thee“ fallen und verkürzte es auf „Oh Sees“ (wie viele Leute sie bereits nannten). Während die Schreibweise ihres Namens kleiner wurde, wurde Oh Sees klanglich größer. Paul Quattrone übernahm neben Paul Rincon den zweiten von Ryan Moutinho frei gewordenen Schlagzeugplatz und war das fehlende Stück. Die zweite große Besetzung der Band war geboren. Orc wurde von Ty Segall mitproduziert und ist das erste Album der Ära der beiden Schlagzeuger von Oh Sees, auf der man beide wirklich bei der Arbeit spüren kann: Quattrone im linken Kanal und Rincon im rechten Kanal, die sich gegenseitig ergänzen und die Band wie nie zuvor antreiben . Wie das Monster, nach dem es benannt ist (mehr D&D/LOTR-Fantasie), ist Orc ein Biest von einem Album, das sich neben der Heavy-Prog-Richtung, die sie seit dem Verlassen der Garage eingeschlagen haben, auch mit Metal und Jazz beschäftigt. (Dieses Mal sind eindeutig Pink-Floyd-Elemente zu spüren.) Mit „The Static God“ legt Orc einen unglaublichen Fünf-Song-Lauf hin, der die erste CD dieses Zwei-LP-Sets ausmacht, einschließlich des Prog-Wave-Jams „Nite Expo“ und das aufrührerische „Jittison“. Auch die restlichen fünf Songs sind keine Trottel („Drowned Beast“ ist ein Knaller) und führen „Oh Sees“ alle in neue, ausgefallene Richtungen.

OH SIEHE AUCH : Nach Orc erweiterten sich Oh Sees zu einem Quintett, wobei Keyboarder Tomas hauptberuflich hinzukam. Zu dieser Besetzung gehörten 2018 das doomige Album „Smote Reverser“ (das wohl das beste Cover hat) und das Jazz-infizierte „Face Stabber“, die beide deutlich weiter hinausgingen als „Orc“ und eine kleine Korrektur vertragen könnten, insbesondere „Face Stabber“ (80 Minuten!).

Nur wenige Monate nach der Veröffentlichung von Orc kehrte Dwyer für ihr 20. Studioalbum zur ursprünglichen OCS-Inkarnation des Namens seiner Band zurück. Im Einklang mit diesen Platten aus den frühen 2000er-Jahren ist „Memory of a Cut Off Head“ ausgesprochen ruhig und vereint ihn wieder mit seinem OCS-Kollegen Patrick Mullins an der singenden Säge und der Elektronik. Aber während die anderen Platten unter dem OCS-Banner sehr, sehr Low-Fi waren, ist „Memory of a Cut Off Head“ großartig produzierter und arrangierter Orch-Pop, der erst hätte entstehen können, nachdem Dwyer Platten wie „Drop“ und „Mutilator Defeated At Last“ gemacht hatte. Das Album, das die 100. Veröffentlichung von Castle Face war, war auch eine Gelegenheit, erneut mit Brigid Dawson zusammenzuarbeiten. Seit sie nicht mehr Vollzeitmitglied der Band ist, hat sie auf vielen Oh Sees-Alben als Backup gesungen, aber dies ist eine vollwertige Zusammenarbeit zwischen ihnen, vom gemeinsamen Schreiben aller Songs bis hin zum gemeinsamen Lead-Gesang. Mit üppigen Streicher- und Hornarrangements – ganz Summer of Love – ist es ein einzigartiges, wunderschönes Album in Dwyers Katalog.

OH SIEHE AUCH : Die drei OCS-Alben aus den frühen 2000er-Jahren grenzen an Ambient, sind aber einen Besuch wert. Dwyer und Dawson spielten spezielle OCS-Shows in San Francisco, LA und Brooklyn mit Streichern, und die SF-Shows wurden 2018 zu einem Live-Album.

Nun zu einer sechsten Variation ihres Namens: Protean Threat ist ihr erstes Album als Osees, aber die leichte Umbenennung kündigt nicht so sehr einen Wechsel in der musikalischen Richtung an, sondern bietet vielmehr eine Verfeinerung und Kombination der Doom-Anleihen von Smote Reverser aus dem Jahr 2017 und Jazz-/Prog-Workouts von Face Stabber aus dem Jahr 2019. Mit einer Laufzeit von mageren 39 Minuten vermittelt Dwyer und Co. immer noch das Gefühl, einen Marathon gelaufen zu sein, vielleicht während man Halluzinogene nimmt. Domas‘ Keyboards verleihen der Band ein spazziges Proto-New-Wave-Element („Dreary Nonsense“), während Hellman, Quattrone und Rincon das Can/Neu verstärken! Rille. Alles fühlt sich einfach fester und abgestimmter an; Es gibt immer noch jede Menge seltsames Jamming, überraschende Linkskurven und psychedelische Freakouts, aber alles ist zielgerichteter. In manchen Fällen, wie bei „Said the Shovel“ und „If I Had My Way“, ist es sogar funky. „Protean Threat“ ist fast wie die letzten fünf Jahre der Band auf einem einzigen Album, verpackt in einem Cuisinart.

OH SIEHE AUCH : 2020 gab es drei Osess-Alben. Ob Sie es glauben oder nicht, es gab Face Stabber-Session-Tracks, die es nicht auf das Album schafften – darunter ein paar epische Längen – und die ihren Weg auf Metamorphosed fanden. In der Zwischenzeit wurden die Songs von Protean Threat neu abgemischt, überarbeitet und mit Feldaufnahmen der Band vermischt, wodurch im Wesentlichen ein völlig neues Album entstand: Panther Rotate.